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El valor artístico de las magníficas esculturas de Anfípolis

El valor artístico de las magníficas esculturas de Anfípolis


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El escritor romano Plinio el Viejo (1 S t siglo d.C.), en sus escritos sobre el arte griego antiguo, dijo que después del escultor griego Lisipo, el arte dejó de existir (“deinde cessarit ars”). Creía que después de las grandes creaciones de Lisipo, el escultor personal de Alejandro Magno, lo que caracterizó el arte del período helenístico era, en el mejor de los casos, una forma clasicizada, una versión decadente del arte clásico superior.

El escritor romano expresó una opinión más bien conservadora del arte de su época. Al parecer, no le impresionaron las innovaciones del período helenístico, e insistió en volver al estilo de arte auténtico que selló con su alta calidad de expresión, una época que fue al menos tres siglos antes que la suya. La razón por la que he comenzado este artículo con una referencia a Plinio, es por los claros límites que colocó entre las dos épocas artísticas, la clásica y la helenística, utilizando la obra del escultor de bronce, Lisipo, como último ejemplo de arte clásico de alta calidad.

El período de tiempo en que Lisipo estuvo activo, durante la segunda mitad del 4 th siglo a.C., nos lleva al mismo tiempo a la época que el equipo arqueológico dispuso para la creación de la tumba de Anfípolis en Grecia, que se sitúa entre el 325 y el 300 a.C. Las esculturas que se encontraron dentro de la tumba ciertamente no pertenecen a la descripción del arte clásico que proporcionó Lisipo, y no son consistentes con las características realistas y personalizadas del arte clásico tal como lo conocemos. Pero, por otro lado, tampoco pertenecen al período helenístico maduro. Entonces, ¿qué podría significar esto?

Esculturas de cariátides encontradas dentro de la tumba de Amphipolis en Grecia. Crédito: Ministerio de Cultura de Grecia

Lo que sucedió aquí es probablemente lo mismo que sucede típicamente con las obras de arte creadas durante un período de transición entre un estilo artístico más antiguo y uno nuevo: parecen tener una combinación de características que hacen que su datación sea anfótera; en otras palabras, podrían pertenecer a cualquier período. Diferentes opiniones hablan de un estilo 'clasicista' de las estatuas de cariátides (estatuas femeninas que sirven como soportes arquitectónicos) en Anfípolis, respaldando la opinión de que simplemente imitan el estilo clásico genuino más antiguo, que se apreciaba con nostalgia durante el período romano, como hemos visto. visto con Plinio. También existe la opinión de que las esculturas son creaciones de artistas de la isla de Paros, mientras que algunos mencionaron también los talleres "atenienses". La isla de Tasos, donde encontraremos las canteras que se utilizaron para la construcción del monumento, tenía una conexión directa con la isla de Paros, ambas pertenecientes al mismo municipio. Está claro que los artistas de Paros, a finales del siglo IV a. C., seguían una tradición escultórica que aún conservaba los recuerdos del estilo arcaico, durante un período en el que Macedonia no tenía talleres de escultura notables. Tiendo a apreciar la segunda opinión como la más adecuada para explicar el estilo de esculpir.

La proposición de que la estatua de mármol del León en Anfípolis se colocó en la cima de la colina, coloca además con confianza la construcción de la tumba a fines del siglo IV a. C. En cualquier caso, otras características de las cariátides como el drapeado de sus túnicas y cómo están talladas en la estatua, muestran un alejamiento de los motivos clásicos de las cariátides del siglo V a.C. Imprimen un estilo vivo de expresión y experimentación artística que combina los logros clásicos anteriores junto con cualquier innovación clásica que ya había comenzado a aparecer en las artes a fines del siglo IV, preparando la era del período helenístico. La tumba es especial por la existencia de estatuas y ciertamente se distingue por las innovaciones en comparación con otras tumbas macedonias, y al mismo tiempo es el monumento más grande de este tipo que se haya descubierto en Grecia.

Representación a escala de cómo se habrían visto las esculturas de cariátide dentro de la tumba de Anfípolis. © Gerasimos G. Gerolymatos.

Las estatuas de cariátides para la época de la que estamos hablando, representan una excelente muestra temprana que podría revelar una de las primeras entradas en el desarrollo hacia el período helenístico, y este es probablemente el mayor valor artístico de las esculturas del monumento funerario de Anfípolis. ya que podrían ayudar a los historiadores del arte a comprender mejor la transición del arte clásico al helenístico. También he sugerido como apropiado el estudio de las figurillas de Tanagra, con el fin de examinar las similitudes con las direcciones morfológicas de las cariátides. Con frecuencia sabemos que debido a la libertad de expresión, artes como la cerámica y la pintura de alfarería fueron las primeras en marcar cualquier cambio de estilo, mientras que el arte elevado de los grandes templos y edificios públicos no estaba tan dispuesto a cambiar su estilo oficial establecido.

Las obras de arte que se encontraron en el monumento incluyen dos esfinges a la entrada de la tumba, las dos grandes estatuas de cariátides y el maravilloso mosaico figurativo del Rapto de Perséfone ante la cámara de la tumba principal. El mosaico, así como otras pinturas de ese período, revela claramente que los artistas griegos antiguos tenían el conocimiento de la perspectiva y la representación de tres dimensiones. El carro y los caballos están representados con una perspectiva ¾, algo que sería un desafío incluso para los artistas del Renacimiento temprano.

De las representaciones escaladas que he creado, la primera (arriba) es claramente un diseño, mientras que la segunda (la imagen destacada) está en color. Se basan en los anuncios de los arqueólogos en referencia a las dimensiones, colores y hallazgos, tal como fueron publicados con sus respectivas fotos. La tercera representación coloreada (abajo) es, en gran medida, especulativa y es una combinación de algunos colores reales tal como se presentan en la segunda representación, así como algunos colores que he agregado en base a especulaciones lógicas y usando elementos decorativos. elementos de otras tumbas macedonias que probablemente eran comunes en términos de las tradiciones funerarias de esa época.

Representación especulativa de los elementos decorativos dentro de la tumba de Anfípolis, combinando hallazgos de trazos de color reales con suposiciones lógicas basadas en elementos decorativos de otras tumbas macedonias © Gerasimos G.

En relación con los colores, la tumba de Anfípolis parece seguir el conjunto básico de colores de otras tumbas macedonias de esa época, que son principalmente blanco, azul y rojo. El resto se enriquece con el uso de otros colores en elementos secundarios, como el negro, el amarillo, el rojo ocre y el verde, creando un interesante resultado cromático. El blanco del mármol domina y es el color de fondo básico sobre el que se desarrollan el azul y el rojo; estos son los dos colores que se utilizan en mayor cantidad que todos los demás. Las diferentes proporciones de cada uno de los colores que cubren las superficies, parecen aplicarse también a las variaciones cromáticas dentro de la tumba. Mientras dibujaba la representación del interior del monumento, me di cuenta de que el uso proporcional de estos colores no era en absoluto aleatorio, ya que parece seguir una intención consciente de dar colores, entre otras cosas, un significado y un carácter simbólico. .

Hay una teatralidad omnipresente con la intención de impresionar al visitante, que con los múltiples paisajes, recuerda un estilo barroco temprano. Entonces, cuando ingresamos a la tumba desde la puerta de las dos Esfinges, quienes son los guardianes de la tumba, muy probablemente pintadas de rojo, pasamos por el primer pasillo con el piso de mosaico. Luego llegamos a la impresionante puerta de las cariátides, que están pintadas intensamente con una sensación de 'pop art', básicamente con color azul oscuro, luego ingresamos a la segunda cámara donde el fondo azul del Rapto de Perséfone prevalece y es el vestíbulo de la tumba principal. La presencia de dos colores principales cálidos y fríos, el rojo y el azul, definen proporcional y simbólicamente las dos áreas diferenciadas. Asumo que de esta manera los dos vestíbulos de la tumba no representan más que un símbolo de la vida del difunto, donde la primera cámara con el calor representa su vida y acciones, mientras que la segunda representa la entrada a la muerte, ya que el mosaico presenta el secuestro involuntario de Perséfone por Plutón. Este pasaje de la vida a la muerte, que seguían los muertos, estaba sellado con la gloria de la inmortalidad detrás de la pesada puerta de mármol, que conducía por debajo de la entrada de cariátides, que en mi opinión tenía un carácter glorificado. Por esta razón, y al notar la posición específica de sus brazos, asumo que las cariátides estaban sosteniendo un objeto y específicamente una corona de gloria para el héroe muerto.

Visite el sitio del blog de Gerasimos G. Gerolymatos aquí.

Imagen de portada: Representación artística de las cariátides en la tumba de Anfípolis, © Gerasimos G.

Por Gerasimos Gerolymatos


La tumba

¡El mundo busca la respuesta a un viejo misterio! ¿Qué o quién está en la Tumba Antigua de Anfípolis Grecia? Se está realizando una excavación arqueológica a gran escala con la esperanza de responder a la vieja pregunta ... ¿Quién está enterrado en esta magnífica tumba? ¿Es Roxanne, la esposa de Alejandro Magno, o es su hijo, o su madre o incluso Alejandro el Grande? ¿él mismo? O es otra persona.

La Tumba Tumulus de Amphipolis se encuentra en la colina de Kasta dentro de una pared circundante de mármol y piedra caliza de 500 metros de largo. La pared de mármol es casi un círculo perfecto de 3 metros de altura con una cornisa de mármol de la isla egea de Tasos. Esta gran tumba y la pared circundante con su base especial y diseño único es probablemente obra del arquitecto Deinokratis, que vivió en la época de Alejandro Magno. Deinokratis y fue el arquitecto elegido por Alejandro y también una persona muy importante en la época de Alejandro.

La entrada de la tumba está a 13 escalones del muro circundante. El arco de entrada contiene dos esfinges sin cabeza y sin alas, increíbles obras de arte clásico. Frente al Arco y el Portal de la Esfinge hay un muro de piedra caliza que protege y oculta toda la entrada de esta vasta tumba. El diseño de la entrada y la pared circundante son exclusivos del mundo de la antigua Grecia.

Originalmente en la parte superior de la Tumba había un gran León de Piedra, el León de Anfípolis. El León en sí mismo mide 5,3 metros de altura y tiene una base de piedra que hace una altura total [con León] de 15,84 metros. La escultura que talló las dos Esfinges de entrada es la [¿misma?] Persona que esculpió al colosal León. Por lo general, asociamos a un León con una batalla, como la batalla de Chaeronea o con algún gran General. Dado que no hubo batalla en la época en que se construyó la tumba, los arqueólogos sugieren que la persona dentro de la tumba también podría ser un gran general de la época de Alejandro.

El hecho de que la Tumba todavía esté sellada es muy importante porque significa que puede contener elementos e información de gran valor histórico y que todavía están en su lugar. Debido a que la tumba aún estaba sellada y llena de arena / tierra, los saqueadores de tumbas no habrían entrado muy adentro. Solo el final de la excavación contará toda la historia de. Quién y cuándo.

Esta vasta Tumba, el León y las dos Esfinges representan la asombrosa belleza del mundo antiguo y pueden ser los guardianes del contenido de una de las mayores excavaciones arqueológicas de nuestro tiempo.


Entradas etiquetadas con: Anfípolis

Hace exactamente un año escribí una publicación para este blog en la que especulé sobre lo que podría haberle sucedido al cuerpo de Hefestión después de su muerte.

Puedes leer la publicación aquí, pero en resumen, dije que no pensaba que su magnífico funeral (Diodoro XVII.115) tuviera lugar, y que después de la muerte de Alejandro, Hefestión probablemente fue incinerado y enterrado silenciosamente por los Sucesores en Babilonia antes de ser olvidado.

Cuando escribí mi publicación, nunca imaginé que un año después tendría motivos para volver a ella. Sin embargo, el descubrimiento de un esqueleto en la Tumba del León en Amphipolis, y la sugerencia de que podría ser Hefestión & # 8217, me ha devuelto al tema.

La persona a quien le debo la idea de que Hefestión podría ser enterrado en Anfípolis es Dorothy King & # 8211 vea su publicación aquí.

Como verá, ella teoriza que la Tumba del León fue construida originalmente para Alejandro. Si eso es correcto, la presencia del cuerpo de Hefestión presumiblemente significaría que Alexander tenía la intención de ser enterrado con su amigo.

Teniendo en cuenta cómo Alejandro se identificó con Aquiles y trató a Hefestión como Patroclo *, junto con el hecho de que Aquiles y Patroclo fueron enterrados juntos en Troya **, esta idea tiene perfecto sentido.

Pero, ¿los huesos pertenecen a Hefestión?

Se están realizando pruebas con ellos en este momento. No hace falta decir que no nos van a decir el nombre del difunto, pero es de esperar que nos den información que ayude en el proceso de identificación.

Por ejemplo (y nuevamente, con suerte) nos dirán el sexo de la persona, su edad aproximada en el momento de la muerte y quizás las lesiones o enfermedades que sufrió en su vida.

Si el sexo de la persona es mujer, obviamente descarta que el fallecido sea Hefestión.

Sin embargo, si es un hombre y la persona murió a los 30 años, eso haría posible que los huesos fueran suyos, ya que tenía aproximadamente la edad de Alejandro y sabemos que en 324 a. C. Alejandro tenía 32 años.

Además de esto, si hay signos de lesión en al menos uno de los huesos del brazo, eso también haría posible que el esqueleto sea Hefestión & # 8217s ya que Curtius dice que & # 8216 sufrió una herida de lanza en el brazo & # 8217 en la batalla de Gaugamela (IV.16.32).

Debe enfatizarse, sin embargo, que incluso si las pruebas apuntan a que el esqueleto es Hefestión & # 8217s, no podemos obtener certeza al respecto. Lo que realmente debemos esperar es el descubrimiento de una inscripción que indique claramente a quién pertenece la tumba. De lo contrario, siempre habrá un elemento de duda.

Pero retrocedamos un poco & # 8211 & # 8211 ¿cómo podemos estar hablando de Hefestión & # 8217s esqueleto en Anfípolis cuando las fuentes tienen su funeral & # 8211 y su cremación & # 8211 teniendo lugar en Babilonia?

Esa es una buena pregunta. Lo que pudo haber sucedido es que después del funeral sus restos fueron transportados a Anfípolis y depositados allí. Esto, sin embargo, no responde a la pregunta de cómo es que tenemos un esqueleto en la Tumba del León cuando Hefestión fue incinerado.

Entonces, ¿qué pasa con los huesos? El Dr. King ofrece una respuesta. En un comentario realizado el 13 de noviembre de 2014 a las 10:30 a. M. (Yo & # 8217 lo siento & # 8211 no puedo & # 8217 no vincularme directamente a él) debajo de la publicación del blog mencionada anteriormente, ella afirma que las antiguas cremaciones no se llevaron a cabo a las mismas temperaturas. como los modernos.

Esto significa que Hefestión podría haber sido incinerado hasta el punto de que su carne se quemó, pero que & # 8211 debido a la temperatura más baja de la pira & # 8211 sus huesos sobrevivieron.

¿Quizás las pruebas que se están realizando actualmente en el esqueleto puedan decirnos si los huesos fueron efectivamente sometidos al fuego?

Si aceptamos la supervivencia de los huesos de Hefestión como una posibilidad, podemos pasar a la cuestión de cómo llegaron de Babilonia a Anfípolis.

Sin embargo, resulta que tenemos que corregir el punto de partida de su viaje final.

Veamos lo que dicen los cinco principales historiadores de Alejandro sobre la muerte de Hefestión y lo que le sucedió a su cuerpo después.

Arriano (VII.14,15) afirma que Hefestión enfermó y murió en Ecbatana y que se le construyó una pira funeraria en Babilonia. Sin embargo, no hay ninguna referencia a que el funeral tenga lugar una vez que Alejandro llegó allí.

Curtius Desafortunadamente, una laguna en la EM significa que no tenemos su relato de la muerte y el funeral de Hefestión.

Diodoro hace que Hefestión muera en Ecbatana y su cuerpo sea transportado a Babilonia (XVII.110) donde se construyó su pira (XVII.115). No se hace mención de lo que sucedió con Hephaestion & # 8217s permanece después.

Justino no dice explícitamente dónde murió Hefestión. En términos de la narrativa, su muerte tiene lugar en el Capítulo 12. La última ciudad que Alejandro se identifica a la que llegó antes de esto es Babilonia (en el Capítulo 10), pero al comienzo del Capítulo 13, Justino parece sugerir que Alejandro fue a Babilonia después. Hefestión y muerte.

Justin tampoco dice qué pasó con el cuerpo de Hefestión. Sin embargo, sí menciona (en el Capítulo 12) que se construyó un monumento en su honor y que costó 12.000 talentos.

Plutarco afirma que Hefestión murió en Ecbatana (Capítulo 72) pero no dice que su cuerpo fue llevado a Babilonia. Sin embargo, afirma que Alexander decidió gastar 10.000 talentos en el funeral y la tumba de su amigo.

En resumen, Arriano, Diodoro y Plutarco coinciden en que Hefestión murió en Ecbatana. Pero mientras Arriano y Diodoro declaran explícitamente que su cuerpo fue llevado a Babilonia, Plutarco no hace tal afirmación. Por implicación, el cuerpo de Hefestión permanece en Ecbatana. Esto puede ser a lo que se está refiriendo Justin, aunque su relato es demasiado vago para ser de mucha utilidad.

Entonces, tenemos un desacuerdo. ¿A quién, en ese caso, creemos?

Hasta esta semana, habría aceptado la cuenta de Arrian & # 8217s y Diodorus & # 8217. Diodoro no es el mejor historiador, pero Arriano tiene una muy buena reputación y basó su historia en personas que fueron testigos de lo que sucedió cuatrocientos años antes, incluido uno que estaba en el centro mismo del poder macedonio.

Sin embargo, mi opinión cambió después de leer un artículo de Paul McKechnie llamado Diodorus Siculus y Hephaestion & # 8217s Pira, que ofrecía una razón convincente para no aceptar la cuenta de Arrian & # 8217s y Diodorus & # 8217 al pie de la letra.

Encontré el artículo de McKechnie & # 8217s gracias a un enlace en el blog de Dorothy King & # 8217s aquí.

Si he entendido correctamente a McKechnie, él argumenta que el relato del funeral de Hefestión y # 8217 en Diodoro no es un relato de un evento histórico en absoluto, sino una presunción literaria, diseñada para presagiar la muerte de Alejandro.

Ver el funeral de esta manera nos permite dar sentido a una afirmación que hace Diodoro en XVIII.4 de su Biblioteca de Historia. Allí, dice que después de la muerte de Alexander & # 8217s, Perdiccas encontró entre los papeles del difunto rey & # 8217s

& # 8230 órdenes para completar la pira de Hefestión.

Ahora, obviamente, si el funeral hubiera tenido lugar según XVII.115, no habría necesidad de que estas órdenes estuvieran en los papeles de Alexander.

McKechnie sostiene además que Diodoro tomó la historia de la pira en Babilonia de un escritor llamado Efipo de Olynthus, que vivió en la época de Alejandro.

La razón por la que menciono a Efipo es porque conecta la narrativa de Diodoro con la de Arriano. McKechnie sugiere que Ptolomeo leyó el relato de Ephippus & # 8217 y decidió usarlo en su propia historia.

Y, de hecho, tenía una buena razón para hacerlo. Así como Efipo colocó el funeral de Hefestión en Babilonia por razones literarias, Tolomeo lo colocó allí por razones políticas.

Entonces, llevé el cuerpo de Alexander de Babilonia a Memphis, podría decirle al escéptico político, Tenía un precedente: el mismo Alejandro, que llevó el cuerpo de Hefestión de Ecbatana a Babilonia.

El artículo de Paul McKechnie & # 8217 es realmente interesante y se lo recomiendo ampliamente. Si no tiene acceso a JSTOR, puede leerlo aquí.

Entonces, tal como están las cosas ahora, tenemos a Hefestión muriendo en Ecbatana y su funeral teniendo lugar allí. La presencia del León de Hamadan (que en la actualidad es Ecbatana) parecería indicar que Alejandro también enterró a su amigo allí †.

Habiendo corregido el punto de partida del viaje de Hefestión, por lo tanto, ahora tenemos que llevarlo de Ecbatana a Anfípolis.

Esta parte es más difícil porque ninguna de las fuentes sobrevivientes afirma que el cuerpo de Hefestión fue llevado de regreso a Macedonia. Si vamos a colocarlo allí, debemos hacerlo por otros medios.

Aquí hay tres razones para colocar a Hefestión en Amphipolis.

  1. Alejandro no habría considerado apropiado enterrar a Hefestión en Ecbatana. En vida, se había visto a sí mismo como Aquiles y Hefestión como su Patroclo. A la luz de eso, tiene más sentido que él quisiera que esa identificación se hiciera permanente en la muerte.
  2. La Tumba del León en Amphipolis es tan grande, tan majestuosa, que solo podría haber sido construida para muy pocas personas. Las otras posibilidades son: Olimpia, Felipe III Arrhidaeus y Roxane, y Alejandro IV.
    Según tengo entendido, existen inscripciones que afirman (¿o indican?) Que Olimpia fue enterrada en Pydna, donde fue asesinada.
    Philip III Arrhidaeus es una posibilidad ya que fue un rey, pero tal vez enterrado en Vergina.
    ¿Cassander habría honrado a Alejandro IV (y, a través de él, a Roxane) con una tumba tan grande después de matarlos?
  3. Parece que la Tumba del León podría haber cubierto fácilmente el costo del entierro de Hefestión y # 8217 como lo describen Plutarco y Justin.

Estas pueden o no parecer buenas razones, pero si todavía está nervioso por la falta de evidencia en las fuentes, tal vez valga la pena recordar que son las sobreviviente fuentes y que & # 8211 como hemos visto & # 8211 no están de acuerdo entre sí sobre lo que le sucedió a Hefestión después de su muerte. Por lo tanto, no tenemos la obligación de tomarles la palabra.

¿Que pienso? Sinceramente, no lo sé. Me gusta la idea de que Hefestión sea enterrado en Anfípolis, pero desearía & # 8211 realmente desear & # 8211 que tuviéramos pruebas literarias más sólidas.

Sin embargo, en este momento, y aunque se supone que fue enterrado en Vergina, me siento muy tentado por la idea de que Alejandro IV sea enterrado allí.

Después de su asesinato por orden de Cassander, pasaron varios años antes de que se conociera la muerte de Alejandro IV. Cuando lo hizo, no hubo guerra civil, ni disturbios, ni disturbios, nada. Casandro, Tolomeo, Lisímaco, Seleuco y Antígono todos a su debido tiempo se proclamaron rey de sus reinos individuales y eso fue todo.

La razón de esto es que había pasado el tiempo y la gente había dejado ir el pasado. Creo que quizás Cassander se dio cuenta de esto. Y cuando lo hizo, decidió que podía permitirse ser tan generoso con Alejandro IV en la muerte como había sido cruel en vida, y depositó sus restos en la Tumba del León en Anfípolis.

Eso es lo que pienso y, como estoy seguro de que habrás notado, no he ofrecido pruebas reales de que Alejandro IV haya sido enterrado allí. De hecho, mientras leo lo que he escrito, empiezo a pensar que hay un caso más sólido para el entierro de Hefestión.

Una ultima palabra. No tengo más idea de quién está enterrado en la Tumba del León como cualquier otra persona, y espero escuchar más noticias de los arqueólogos. Mientras tanto, lo que diría es que Amphipolis ha sido & # 8211 y sigue siendo & # 8211 una gran experiencia de aprendizaje para mí y estoy en deuda con Dorothy King, quien ha publicado publicaciones de blog muy interesantes y enlaces a artículos igualmente buenos. sobre Alexander & # 8211 McKechnie & # 8217s especialmente. Espero no dejar nunca de aprender.

* Estoy pensando aquí en cómo hizo que Hefestión pusiera una corona sobre Patroclo y tumba # 8217 en Troya (Arrian I.12) y su respuesta homérica a la muerte de Hefestión. Así como Aquiles se cortó el pelo en honor a Patroclo (Ilíada XXIII.147-8)
** Ver Ilíada XXIII.243-44 y Odisea XXIV.73-5)
*** McKechnie observa cómo Diodoro enfatiza el estatus de Hefestión y el segundo yo de Alejandro, cómo Alejandro asiste al funeral después de poner en orden sus asuntos, y ordena que la Llama Sagrada en las ciudades asiáticas se extinga en honor a Hefestión y el honor de Hefestión. 8211 algo que solo se hizo sobre el rey & # 8217s muere
Es McKechnie quien usa el León de Hamadan como evidencia de que Hephaestion & # 8217s permanece en Ecbatana. También proporciona otras razones. Por ejemplo, una referencia a Aelian, quien

& # 8230 en su historia de oro y plata fundidos junto con el cadáver en la pira de Hefestión & # 8217s, habla de Alejandro & # 8217s habiendo demolido los muros de la acrópolis de Ecbatana - y no da ninguna pista de la pira & # 8217s que se supone que tiene estado en Babilonia


Una breve descripción de la cronología de los períodos artísticos

Como ocurre con muchas áreas de la historia humana, es imposible delinear los diferentes períodos del arte con precisión. Las fechas presentadas entre paréntesis a continuación son aproximaciones basadas en la progresión de cada movimiento en varios países. Muchos de los períodos del arte se superponen considerablemente, y algunas de las épocas más recientes ocurren al mismo tiempo. Algunas eras duran unos pocos miles de años, mientras que otras abarcan menos de diez. El arte es un proceso continuo de exploración, donde los períodos más recientes surgen de los existentes.

Periodo del arte Años
románico 100 – 1150
gótico 1140 – 1600
Renacimiento 1495 – 1527
Manierismo 1520 – 1600
Barroco 1600 – 1725
Rococó 1720 – 1760
Neoclasicismo 1770 – 1840
Romanticismo 1800 – 1850
Realismo 1840 – 1870
Prerrafaelita 1848 – 1854
Impresionismo 1870 – 1900
Naturalismo 1880 – 1900
Post impresionismo 1880 – 1920
Simbolismo 1880 – 1910
Expresionismo 1890 – 1939
Art Noveau 1895 – 1915
Cubismo 1905 – 1939
Futurismo 1909 – 1918
Dadaísmo 1912 – 1923
Nueva objetividad 1918 – 1933
Precisionismo 1920 – 1950
Arte deco 1920 – 1935
Bauhaus 1920 – 1925
Surrealismo 1924 – 1945
Abstr. Expresionismo 1945 – 1960
Arte pop / arte óptico 1956 – 1969
Arte Povera 1960 – 1969
Minimalismo 1960 – 1975
Fotorrealismo 1968 & # 8211 ahora
Arte contemporáneo 1978 & # 8211 ahora

Puede parecer extraño que nuestro relato de la línea de tiempo del período del arte termine hace 30 años. El concepto de una era del arte parece inadecuado para capturar la variedad de estilos artísticos que han crecido desde principios del siglo XXI. Algunos historiadores del arte tienen la sensación de que el concepto tradicional de pintura ha muerto en nuestra era de vida acelerada. No adoptamos esta postura. En cambio, continuamos compartiendo nuestras experiencias humanas únicas a través del arte, tal como lo hicieron las personas de las cavernas, fuera de nuestro sistema moderno de clasificación.

La terraza de flores en el jardín de Wannsee, orientada al suroeste (1919) de Max Liebermann [Dominio público]


¿Quién & # x27s está enterrado en la & # x27Magnífica & # x27 tumba de la antigua Grecia? 04:27

A principios del mes pasado, en una colina en las afueras de una pequeña y ventosa aldea de productores de almendras y tabaco en el noreste de Grecia, la arqueóloga veterana Katerina Peristeri anunció que ella y su equipo habían descubierto lo que se cree que es la tumba más grande de Grecia.

La "enorme y magnífica tumba", dijo Peristeri a los periodistas, probablemente esté relacionada con el antiguo reino griego de Macedonia, que, en el siglo IV a. C. produjo Alejandro el Grande.

Poco después del anuncio de Peristeri, el primer ministro griego, Antonis Samaras, celebró su propia conferencia de prensa en el sitio, conocido como Anfípolis, y declaró que era un "descubrimiento excepcionalmente importante" de la "tierra de nuestra Macedonia".

Y desde entonces ha habido informes diarios en los medios griegos, a pesar de que Peristeri y su equipo han rechazado entrevistas. Publican cada bocado de noticias, cada descubrimiento de una cariátide, una esfinge y otros artefactos impresionantes, en comunicados de prensa a través del Ministerio de Cultura griego.

Los turistas visitan el León de Anfípolis el 18 de agosto. La gran tumba, cuyo ocupante se desconoce, se encontró cerca. Pero las autoridades griegas aún no han permitido que el público visite el sitio de la tumba. (Haris Iordanidis / EPA / Landov)

La especulación sobre quién está enterrado en la tumba ha atraído un flujo constante de visitantes a la cercana Mesolakkia, donde el presidente de la aldea, Athanassios Zounatzis, un agricultor de tabaco jubilado de cabello plateado, ahora se desempeña como guía turístico.

"Hemos visto autobuses turísticos llenos de turistas alemanes, los holandeses se han ido, incluso algunas familias estadounidenses", dice. "Y todos preguntan: '¿Dónde está la tumba?' Pero se van decepcionados, porque ni siquiera pueden verlo ".

Esto se debe a que la policía griega instaló un obstáculo en la excavación, lo que dejó a Bernard Boehler, un historiador del arte de Viena, mirando con nostalgia una colina cubierta de hierba que oscurecía el sitio.

"No hace falta decir que tenemos más que curiosidad por ver un poco más, pero nos damos cuenta de que hay mucha vigilancia y no podemos acercarnos", dice Boehler.

Los arqueólogos dicen que el secreto y la seguridad que rodean la tumba se trata de mantener los hechos en claro. También les preocupa que los visitantes puedan resultar heridos en el sitio parcialmente excavado.

Pero el trabajador de saneamiento jubilado Giorgos Karaiskakis, que ha visitado el retén del sitio en tres ocasiones, dice que sospecha que las medidas también están relacionadas con el conflicto con la vecina Macedonia, la ex república yugoslava, sobre quién es el dueño de Alejandro Magno. Este descubrimiento, dice, es una prueba más de que Alejandro pertenece a Grecia.

"Este gran descubrimiento no nos saca de la crisis, porque si no tienes dinero, ¿qué vas a hacer?" él dice. "Pero muestra una vez más que Macedonia está aquí, ¿de acuerdo? No allí con los eslavos".

Independientemente de dónde esté Macedonia, es probable que la tumba no contenga a su hijo más famoso, Alejandro, quien murió a los 32 años en Babilonia, ahora en el actual Irak. Tampoco es probable que albergue a su familia inmediata, como su hijo Alejandro IV, que probablemente esté enterrado en una de las tumbas reales en Aigai, la antigua primera capital de Macedonia, que se encuentra cerca de la actual ciudad de Vergina, en el norte de Grecia. , y también probablemente contiene los restos del padre de Alejandro, Felipe II.

Nos recuerda que somos ricos, al menos en historia.

Alexandros Kochliariades, un residente local

Entonces, ¿quién podría estar enterrado allí?

Robin Lane Fox, un destacado historiador de la Universidad de Oxford y experto en la antigua Macedonia, dice que la investigación existente sugiere que la tumba podría pertenecer a un alto almirante del ejército macedonio en expansión del imperio de Alejandro, alguien como Nearchus, el mejor amigo de Alejandro desde la infancia.

En Plutarch's Vida de Alejandro, otro amigo importante de Alejandro, Demaratus de Corinto, fue honrado con un montículo de tumba individual sobre su sitio de entierro que es comparable en tamaño al de Amphipolis, dice Lane Fox.

"Así que sospecho que se trata de un compañero de muy alto rango en el antiguo ejército de Alejandro, que ha regresado o ha sido devuelto como un cuerpo a su hogar en Anfípolis", dice.

Pero Olga Palagia, arqueóloga de la Universidad de Atenas, sospecha que la tumba de Anfípolis podría no ser griega en absoluto, sino romana.

"Nadie se ha dado cuenta de que Anfípolis era un lugar muy significativo en el siglo I a.C. porque era el cuartel general de un enorme ejército romano liderado por Marco Antonio y Octavio cuando luchaban contra Bruto y Casio, que habían matado a Julio César", dice.

Athanasios Zournatzis encabeza el pueblo de Mesolakkia cerca de la tumba. Aunque al público no se le ha permitido visitar la tumba en sí, dice que ha visto un flujo constante de visitantes internacionales desde que se anunció el descubrimiento. "Éramos simplemente un pueblo tranquilo de cultivadores de tabaco y almendras", dice. "Ahora, de repente somos una atracción turística". (Joanna Kakissis para NPR)

Palagia, un experto en escultura antigua, no ha visitado el sitio, pero dice que las esculturas de Amphipolis parecen romanas, no griegas. Si la tumba es un monumento a los generales romanos, dice, no significará mucho para Grecia.

"Los griegos modernos son muy insulares, miran hacia adentro y están extremadamente traumatizados por la crisis financiera", dice. "Creo que se sentirán realmente engañados si no es griego".

Peristeri, el arqueólogo principal de Amphipolis, insiste en que el sitio es griego, sin lugar a dudas.

Ese es también el sentimiento en Mesolakkia, donde la gente del pueblo recuerda a un arqueólogo griego llamado Dimitris Lazaridis, quien descubrió por primera vez el montículo de Amphipolis en la década de 1950, pero se quedó sin dinero para excavarlo. Lazaridis dijo que también sospechaba que la tumba contenía una importante tumba macedonia.

"Estaba seguro", dice Alexandros Kochliariades, quien trabajó durante 30 años como guardia de Lazaridis, quien excavó otros sitios en el área. "Ahora, tantos años después, su hipótesis se está volviendo cierta".

Kochliarides toma un café en la cafetería de una gasolinera cerca de Mesolakkia, el pueblo que ahora se ha convertido en la zona cero de lo que un arqueólogo llamó "Amphipolimania". El guardia retirado dice que entiende por qué la tumba significa tanto para los griegos en este momento, que han sufrido una paliza psicológica y económica durante los cuatro años de la crisis de la deuda.

"Nos recuerda que somos ricos, al menos en historia", dice. "Y esa Anfípolis fue una vez la manzana de un imperio".


Carmona

Carmonenses, quae est longa firmissima totius provincia civitas. & # 8221

(Carmona es, con mucho, la ciudad más fuerte de la provincia).

- Julio César (Commentarii de Bello Civili)

Carmona fue en el pasado uno de los principales asentamientos enclave del bajo Guadalquivir con casi cinco mil años de ocupación continua. Su "poderoso muro" fue mencionado por Julio César en su De Bello Civile mientras que la ciudad recibió la dispensa para acuñar sus propias monedas con el nombre de "Carmo". Carmo se convirtió en una encrucijada importante en la Vía Augusta y en un importante puesto de avanzada en el imperio romano. En Carmona se pueden ver dos mosaicos, uno en el Museo de la Ciudad con una alegoría de la temporada de verano y otro en el Ayuntamiento con la cabeza de Medusa.

Museo de la Ciudad de Carmona

Fragmento de mosaico con alegoría de la época estival, siglos II-III d.C., Museo de la Ciudad de Carmona. Imagen © Li Taipo (CC BY-NC-ND 2.0).

Ayuntamiento de Carmona

El patio del Ayuntamiento de Carmona contiene un importante mosaico romano, que se encontró en el casco antiguo de la localidad.

Mosaico con la cabeza de Medusa rodeada de alegorías de las Cuatro Estaciones, Ayutamiento Carmona. Imagen © Carole Raddato.

Otro mosaico muestra la cabeza de Medusa, una de las tres hijas de la diosa marina Forcis, como motivo central. El rostro redondo e infantil de Medusa está representado con tesarea de pasta vítrea multicolor de gran fuerza. Sin embargo, la tesarea que enmarcaba la imagen de Medusa no ha sobrevivido. El resto del pavimento está decorado con diseños geométricos, formados por rectángulos sobre fondo negro y cuadrados de nudo de Salomón sobre fondo de tonos claros.

Mosaico con figura de Medusa con rostro redondo e infantil, siglo II d.C., hallado en 1959 en la Plaza de la Corredera, Salón de los Mosaicos - Alcázar de los Reyes Cristianos, Córdoba. Imagen © Carole Raddato.

Escultura del Antiguo Egipto


Osiris, Isis y Horus (874-850 a. C.)
Joyas decorativas de oro,
lapislázuli y vidrio.

ARTE EGIPCIO: CRONOLOGÍA
Escultura, pintura y arquitectura amplificada
del antiguo Egipto es tradicionalmente
dividido en estas eras ásperas.
ANTIGUO REINO DE EGIPTO
Primera y segunda dinastía
2920-2650 a. C.
ANTIGUO REINO DE EGIPTO
Dinastía III-XI
2650-1986 a. C.
REINO MEDIO DE EGIPTO
Dinastía XI-XVII
1986-1539 a. C.
NUEVO REINO DE EGIPTO
Dinastía XVIII-XXIV
1539-715 a. C.
ÚLTIMO REINO DE EGIPTO
25a-31a dinastía
712-332 a. C.
PERIODO FINAL
Era ptolemaica (323-30 a. C.)
Período de dominio romano (30 a. C. - 395 d. C.)

ARTE DEL ISLAM
Para una breve reseña de las influencias
e historia de las artes musulmanas en Egipto,
ver: Arte islámico.

LOS MEJORES ESCULTORES DEL MUNDO
Para obtener una lista de los 100 mejores artistas 3-D
(500 a. C. - ahora), consulte:
Grandes escultores.

EL ARTE 3-D MÁS GRANDE DEL MUNDO
Para una lista de obras maestras
por famosos escultores, ver:
Las mejores esculturas de todos los tiempos.

DESARROLLO HISTORICO
Para obtener una lista de fechas importantes en el
evolución de la escultura / obras 3-D,
incluyendo movimientos, escuelas,
y artistas famosos, consulte:
Historia del Arte (Revisión de Movimientos)
Cronología del arte prehistórico (hasta 500 a. C.)
Cronología de la Historia del Arte.

DIFERENTES FORMAS DE ARTES
Para definiciones, significados y
explicaciones de diferentes artes,
ver Tipos de arte.

La escultura del antiguo Egipto estaba estrechamente relacionada con la arquitectura egipcia y se refería principalmente al templo y la tumba funeraria. El templo fue construido como si fuera la tumba o el lugar de descanso eterno de una divinidad cuya estatua estaba escondida dentro de una sucesión de pasillos cerrados, abiertos a la vista solo por un corto tiempo, cuando el sol o la luna o una estrella en particular alcanzaba un punto en el horizonte desde el cual sus rayos brillaban directamente sobre el santuario más interno. Estas estatuas divinas fueron consultadas como oráculos y rara vez tenían un tamaño imponente. También se emplearon escultores para los relieves de las paredes, los capiteles de las columnas, las figuras colosales que custodiaban los pilones y las largas avenidas de las esfinges. Las ilustraciones murales en las paredes del templo representan típicamente la piedad de los faraones, así como sus conquistas extranjeras.

Las tumbas egipcias requirieron el uso más extenso de escultura. En estas bóvedas se colocaron estatuas de retratos del rey o la reina difuntos. Además, este tipo de escultura prehistórica incluía estatuas de funcionarios públicos y escribas, y los grupos que representaban a un hombre y su esposa. Las paredes de las primeras tumbas egipcias se asemejan, en efecto, a un libro ilustrado de los modales y costumbres de la población. Las escenas ilustrativas presentan actividades como la caza, la pesca y los entornos agrícolas, actividades artísticas y comerciales, como la fabricación de estatuas, vidrio o artículos de metal, o la construcción de pirámides, mujeres que realizan tareas domésticas o que lloran por los niños muertos que participan en Deportes. Tales relieves revelan una fe segura en el futuro como una especie de extensión tranquila de la vida presente. Durante los períodos posteriores del arte egipcio, comenzando con las tumbas del Nuevo Imperio, los dioses aparecen de manera más prominente en las escenas de juicio, lo que indica menos certeza sobre la felicidad del estado futuro.

Para obtener más información sobre la construcción de tumbas y otros diseños arquitectónicos en el Antiguo Egipto, consulte: Arquitectura egipcia temprana (tumbas piramidales grandes) Arquitectura egipcia del Reino Medio (pirámides pequeñas) Arquitectura egipcia del Imperio Nuevo (templos) Arquitectura egipcia tardía (variedad de edificios).

Además de representar a los dioses de la civilización egipcia, los escultores también retrataron los objetos menores de uso doméstico y diario, incluidos los muebles del hogar con sus opulentos divanes, mesas y cofres, y todas las formas de orfebrería y joyería. Artículos como cajas de inodoro, espejos y cucharas fueron representados por formas derivadas del mundo floral, animal o humano. Las plantas sagradas, en particular el loto, fueron la base naturalista de una gran y variada clase de formas que llegaron a influir en el arte decorativo de todo el mundo antiguo.

Materiales escultóricos y herramientas de amplificación

En el valle del Nilo crecían la acacia sagrada y el sicomoro, que proporcionaban al escultor material para estatuas y sarcófagos, tronos y otras piezas de arte industrial. Las laderas de ambas orillas del Nilo, tan al sur como Edfou, proporcionaron una piedra caliza nummulítica gruesa, y más allá de Edfou había extensas canteras de arenisca, ambos materiales se utilizaban con fines escultóricos y arquitectónicos. Cerca de la primera catarata todavía se pueden ver las canteras de granito rojo utilizadas no solo para obeliscos, sino también para enormes estatuas, esfinges y sarcófagos. El alabastro se extrajo en la antigua ciudad de Alabastron, cerca del moderno pueblo de Assiout. De las montañas del desierto de Arabia y de la península del Sinaí procedían el basalto y la diorita empleados por los primeros escultores, el pórfido rojo apreciado especialmente por griegos y romanos, y el cobre. Incluso el barro del río Nilo fue moldeado y horneado, y cubierto con esmaltes de colores, desde las primeras dinastías de la historia egipcia. Durante el mismo período temprano encontramos al escultor egipcio manejando con gran destreza numerosos materiales importados, como ébano, marfil, hierro, oro y plata. La talla de marfil, por ejemplo, se practicó ampliamente y se usó en la escultura criselefantina, para obras importantes.

Cuando los escultores egipcios quisieron agregar permanencia extra a sus esculturas, como, por ejemplo, a las estatuas y sarcófagos de sus reyes faraones, utilizaron los materiales más duros, como basalto, diorita, granito. Esta piedra dura la manipularon con no menos habilidad que la madera, el marfil y las piedras más blandas.

Los finos detalles probablemente se aplicaron con instrumentos de pedernal. Otros implementos, hechos de bronce o hierro endurecido, fueron la sierra con dientes enjoyados, taladros tubulares de varios tipos, el puntero y el cincel. Las estatuas de piedra dura se pulían meticulosamente con arenisca triturada y la piedra de esmeril más blanda se cubría típicamente con estuco y se pintaba, el pigmento se aplicaba de manera arbitraria o convencional.

Estatuas y estatuillas egipcias

Los artistas egipcios estaban produciendo una amplia variedad de pequeñas figuras en arcilla, hueso y marfil, mucho antes del surgimiento de un estilo formal de escultura en el momento de la unificación de las Dos Tierras de Egipto. Se han encontrado algunas figurillas frágiles en tumbas prehistóricas. La tradición de hacer tales objetos sobrevivió hasta el Imperio Nuevo. El hueso y el marfil se utilizaron para hacer estilizadas figuras femeninas de elaborada mano de obra entre el 4.000 y el 3.000 a. C. La arcilla, que era más fácil de moldear, se moldeó en representaciones de muchas especies de animales, fáciles de identificar porque sus características han sido capturadas mediante una observación aguda. Ver también: Escultura mesopotámica (c. 3000-500 a. C.).

Hacia el 3.000 a. C., las estatuillas de marfil se tallaban en un estilo más naturalista, y han sobrevivido muchos fragmentos. Uno de los mejores y más completos se encontró en Abydos, que representa a un rey desconocido, representado con traje ceremonial (Museo Británico, Londres). Lleva la alta corona blanca del Alto Egipto y una capa corta estampada con rombos. Avanza con confianza en la pose utilizada para todas las estatuas masculinas de pie en la época dinástica, con el pie izquierdo delante del derecho. La calidad del tallado se muestra en la forma en que la túnica se envuelve firmemente sobre los hombros redondeados y la cabeza se empuja hacia adelante con determinación y fuerza de propósito.

De este período, justo antes de la I Dinastía, hay evidencia de que los escultores estaban haciendo grandes avances y usaban madera y piedra de diversos tipos. Este desarrollo continuó durante el Período Arcaico, cuando se hicieron los primeros tipos más grandes de estatuas reales. El trabajo en metal también avanzó. Se han encontrado estatuillas de cobre en miniatura y amuletos de oro en las tumbas, mientras que una inscripción de la Segunda Dinastía registra la realización de una estatua real en cobre.

Estatuas egipcias: convenciones artísticas

Las estatuas egipcias se hicieron para colocarlas en tumbas o templos y, por lo general, estaban destinadas a verse desde el frente. Era importante que el rostro mirara hacia adelante, hacia la eternidad, y que el cuerpo visto de frente fuera vertical y rígido, con todos los planos cruzados en ángulos rectos. A veces se producen variaciones, por ejemplo, se hicieron grandes estatuas para mirar ligeramente hacia abajo hacia el espectador, pero los ejemplos en los que se hace que el cuerpo se doble o la cabeza se gire son muy raros en la escultura formal. Por lo general, se acepta que los mejores artesanos trabajaron para el rey y establecieron los patrones seguidos por otros que produjeron esculturas en piedra, madera y metal para sus súbditos en todo Egipto. Los Reinos Antiguo y Medio, en particular, vieron la producción de muchas estatuas y pequeñas figuras que se colocaron en las tumbas de personas bastante comunes para actuar como sustitutos del cuerpo si debía ser destruido, para proporcionar una morada eterna para el ka. La calidad era deseable, pero no particularmente importante, ya que mientras la estatua estuviera inscrita con el nombre de la persona muerta, se la identificaba con él. De hecho, era posible hacerse cargo de una estatua simplemente modificando la inscripción y sustituyéndola por otro nombre. Esto se hizo incluso al más alto nivel, y los reyes usurparon estatuas encargadas por gobernantes anteriores. También se creía que era posible destruir la memoria de un predecesor odiado o temido pirateando los nombres y títulos de sus monumentos. Esto sucedió con muchas de las estatuas de Akhenaton, y Tutmosis III borró los nombres de Hatshepsut.

La mayoría de las estatuas ka encontradas en las tumbas de los nobles del Reino Antiguo siguen el precedente real. Las tumbas reales en Gizeh y Saqqara estaban rodeadas de ciudades de los muertos, ya que los funcionarios buscaban ser enterrados cerca de su rey y pasar a la eternidad con él. Gradualmente, las creencias que una vez estuvieron asociadas con el rey o su familia inmediata fueron adoptadas por sus nobles, y luego por personas menos importantes, hasta que todos, a su muerte, esperaban identificarse con Osiris, el rey muerto, pero la calidad, el tamaño y el material del ka estatua enterrada en una tumba dependía de la prosperidad y los medios de su dueño.

Las primeras esculturas privadas, como las reales que imitaban, estaban muy en la tradición ritual. En períodos posteriores, los artesanos, especialmente los que trabajaban en madera, producían a menudo pequeñas figuras de gran encanto cuando no se sentían obligados por las convenciones religiosas. Estas pequeñas estatuillas a menudo se hacían para un propósito práctico y llevaban contenedores que contenían sustancias cosméticas que luego fueron enterradas entre las posesiones personales de sus dueños.

Nota: Según se informa, los artistas plásticos egipcios ejercieron una influencia considerable en la escultura africana del África subsahariana, incluidas las obras de Benin y Yoruba en África occidental.

Escultura en relieve egipcia

La escultura en relieve egipcia se ejecuta en varios modos, de la siguiente manera:

(1) Bajorrelieve, donde las figuras sobresalen levemente del fondo.
(2) Relieve hundido, donde el fondo sobresale frente a las figuras.
(3) Contornos en relieve, donde solo se cincelan los contornos de las figuras.
(4) Altorrelieve, donde las figuras se proyectan a cierta distancia del fondo.

Prácticamente todas las esculturas murales del Antiguo Imperio Egipcio tienen forma de bajorrelieve, mientras que los relieves hundidos y de contorno son las técnicas escultóricas más comunes utilizadas durante el Nuevo Imperio. El alto relieve se encuentra ocasionalmente en las tumbas del Imperio Antiguo, pero se limita principalmente al Imperio Nuevo y a formas como los pilares de Osiride y Hathoric y también a las estatuas de las paredes. En su tratamiento de las figuras en redondo, la escultura egipcia antigua se limita a unas pocas formas. Estos incluyen: la figura de pie, con el pie izquierdo ligeramente por delante del derecho, la cabeza erguida y los ojos mirando al frente. Las variaciones se obtienen cambiando la posición de los brazos. En las figuras sentadas existe la misma pose fija de la cabeza, el cuerpo y las extremidades inferiores. Además de estos, las posturas de arrodillarse y ponerse en cuclillas se repiten con frecuencia, con poca variación. Las estatuas redondas generalmente representaban a los dioses, faraones o funcionarios cívicos, y se compusieron con especial referencia al mantenimiento de líneas rectas. Pero si los principales monumentos del estado eran limitados en tipo y pose, toda una serie de estatuas que representaban temas domésticos se compusieron con mucha más libertad. Se le dio poca importancia a la agrupación. Por lo general, era una simple yuxtaposición de dos estatuas de pie o dos sentadas, o de una persona de pie y una persona sentada. Un dios y un hombre, o un esposo y una esposa, estaban colocados uno al lado del otro. En los grupos familiares se agregó ocasionalmente la figura de un niño.

El simbolismo se utilizó mucho en esculturas que representaban a los dioses. Cuando se representaban en forma humana, se distinguían por emblemas, pero con mayor frecuencia se representaban como criaturas compuestas con cabezas de animales en cuerpos humanos. Así, por ejemplo, Horus tiene la cabeza de un halcón Anubis, la cabeza de un chacal Khnum, un carnero Thoth, un ibis Sebek, un cocodrilo Isis, un motivo decorativo. En las paredes exteriores de los templos, estaban colocadas de manera típica e irregular sobre la superficie, pero en las paredes interiores estaban cuidadosamente colocadas en filas horizontales. En realidad, no eran imágenes, sino escritura de imágenes en relieve y, a menudo, eran poco más que jeroglíficos ampliados. Siendo tal su carácter, hubo pocos estímulos para realzar su composición artística.

La composición en relieve significaba simplemente disponer las figuras en líneas horizontales para registrar un evento o representar una acción. Las figuras principales se distinguían de las demás por su tamaño: los dioses se mostraban más grandes que los hombres, los reyes más grandes que sus seguidores y los muertos más grandes que los vivos. Las acciones subordinadas se yuxtaponen en bandas horizontales. En otros aspectos, se daba muy poca importancia a la unidad de efecto y el espacio vacío se llenaba típicamente de figuras y jeroglíficos sobre el principio de que la naturaleza aborrece el vacío. En una composición de este tipo, construida como oraciones, había poca necesidad de perspectiva. Las escenas no se representaron como aparecían dentro del campo de visión: en cambio, los componentes individuales se llevaron todos al plano de representación y se distribuyeron como si fueran escritos. Por ejemplo, la representación de un hombre, que podría ser representado con la cabeza de perfil, pero los ojos en la cara, con los hombros al frente, pero el tronco girado tres cuartos y las piernas de perfil, no es la imagen de un hombre tal como aparece. a la vista, sino que es más bien una representación simbólica de un hombre, una imagen que era perfectamente clara para la mayoría de los espectadores. De la misma manera simbólica, un estanque podría estar indicado por un rectángulo, su contenido de agua por líneas en zig-zag, mientras que los árboles del borde se proyectan desde los cuatro lados del rectángulo. Se representó un ejército militar con sus filas más distantes colocadas en el plano de representación y dispuestas en líneas horizontales una encima de la otra. En algunos casos se sugirieron los efectos de la perspectiva, pero al ser en gran medida superfluos para el propósito del arte egipcio, siguieron siendo minimalistas.

Así como las estatuas egipcias representaban el cuerpo permanente del difunto, las esculturas en relieve (generalmente cubiertas de estuco y luego pintadas) retrataban las situaciones en las que su cuerpo etéreo podía continuar moviéndose. No fueron concebidas como meras decoraciones arquitectónicas, sino que tenían principalmente una función registradora o inmortalizadora. Adornaban las paredes exteriores e interiores de los templos, así como las galerías y las paredes de las tumbas, con escasa consideración por las consideraciones estéticas o los colores utilizados, eran de tonos vívidos, pocos en número y duraderos en calidad. Se aplicaron en masas planas uniformes y se dispusieron en llamativos contrastes, mientras que técnicas como el claroscuro y la perspectiva del color permanecieron bastante ajenas al arte egipcio de la pintura. De hecho, la pintura de relieves era puramente funcional y sirvió para hacer que las figuras fueran más distintas, en lugar de más naturales. El pigmento rara vez se usó para indicar rotundidad de forma y se aplicó de una manera puramente convencional. Los rostros de los hombres estaban pintados de un marrón rojizo y los de las mujeres de amarillo, aunque los dioses podían tener rostros de cualquier tono. Al igual que los relieves, las estatuas talladas en madera y las de piedra blanda se trataban con frecuencia con estuco y pintura, de manera similar.

Historia y desarrollo de la escultura egipcia

A pesar de la riqueza de materiales y la cantidad de producción, la escultura egipcia cambió tan gradualmente que no es fácil trazar un camino evolutivo preciso: desde las primeras dinastías encontramos un arte completamente desarrollado. Incluso en esta etapa temprana, los artistas egipcios en 3D demostraron un dominio de la escultura en piedra dura y la escultura en bronce, y no existe un período arcaico o prototipo para ilustrar cómo se logró este dominio. La cultura egipcia aún no nos ha iluminado en cuanto a sus formas de arte prehistóricas, ni conocemos un idioma extranjero preexistente o un conjunto de habilidades que pueda haber tomado prestado o adquirido, excepto posiblemente el arte de Mesopotamia en el actual Irak. Así, en general, independientemente de su origen, el arte egipcio durante el período histórico está marcado más por su continuidad que por sus cambios evolutivos. Aun así, la escultura egipcia se puede distinguir hasta cierto punto de un período a otro.

Nota: Para obtener un resumen de la evolución de la escultura occidental, consulte: Historia de la escultura.

Escultura de piedra egipcia

Fue a finales de la segunda y principios de la tercera dinastías, aproximadamente en el 2700 a. C., cuando se estableció lo que podría denominarse el característico estilo antiguo egipcio de escultura en piedra, un estilo transmitido a lo largo de unos 2.500 años hasta el período ptolemaico con sólo pequeñas excepciones y modificaciones. Las características predominantes de este estilo son la regularidad y simetría de las figuras, sólidas y cuadradas ya sea de pie o sentado.

Se dice que Miguel Ángel creía que un bloque de piedra contenía una escultura, como si estuviera en un embrión, que era tarea del artista revelar. La típica figura completa del antiguo Egipto da una fuerte impresión del bloque de piedra en el que fue tallada. Los artistas eliminaron un mínimo absoluto de piedra en bruto, dejando comúnmente las piernas fusionadas en una masa sólida a un pilar trasero, los brazos unidos a los lados del cuerpo, mientras que las figuras sentadas se soldaron a sus sillas. No es que estas esculturas parezcan toscas o toscas, sino que transmiten una impresión de elegancia severa, una pureza de línea que sugiere por su tensión una energía contenida.

Las primeras etapas en la realización de una estatua, al igual que con el relieve y la pintura, implicaron la redacción de un boceto preliminar. Se formó un bloque de piedra toscamente, y la figura a tallar se dibujó en al menos dos lados para dar las vistas frontal y lateral. Más tarde, una cuadrícula aseguró que las proporciones de la estatua se hicieran exactamente de acuerdo con las reglas fijadas a principios de la época dinástica. Los dibujos maestros, algunos de los cuales han sobrevivido, estaban disponibles como referencia. Un tablero de dibujo de madera con una capa de yeso, ahora en el Museo Británico de Londres, es un buen ejemplo. Una figura sentada de Tutmosis III, 1504-1450 a. C., primero esbozada en rojo y luego delineada en negro, ha sido dibujada a través de una cuadrícula de pequeños cuadrados finamente rayados. Los maestros artesanos, después de años de práctica, podrían trabajar de manera instintiva, pero los escultores sin experiencia tendrían esos dibujos a mano para facilitar su consulta.

La talla real de una estatua implicó el arduo trabajo de golpear y picar el bloque por todos los lados hasta que se completó el contorno aproximado de la figura. Se elaboraron nuevas pautas, cuando se hizo necesario mantener los implementos cortando directamente en el bloque desde todos los lados. Las piedras más duras, como el granito y la diorita, se trabajaban magullando y golpeando con piedras de martillo duras, desgastando así gradualmente el bloque principal. El corte mediante sierras y taladros para metal, ayudado por la adición de un abrasivo como arena de cuarzo, se utilizó para trabajar los ángulos incómodos entre los brazos y el cuerpo, o entre la parte inferior de las piernas. Cada etapa era larga y tediosa, y las herramientas de cobre y bronce tenían que afilarse constantemente. El pulido eliminó la mayoría de las marcas de herramientas, pero en algunas estatuas, particularmente las realmente grandes, como las enormes figuras de Ramsés II en el templo de Abu Simbel, todavía se pueden ver rastros de las marcas hechas por taladros tubulares. Para una estatua colosal, se erigió un andamio alrededor de una figura, lo que permitió a muchos hombres trabajar en ella a la vez. La piedra caliza, por supuesto, era más suave y, por lo tanto, más fácil de trabajar con cinceles y taladros.

Las estatuas sin terminar proporcionan evidencia útil de los procesos involucrados. La mayoría de ellos mostró que el trabajo se desarrolló de manera uniforme desde todos los lados, manteniendo así el equilibrio de la figura. Una cabeza de cuarcita, posiblemente de la reina Nefertiti, encontrada en un taller de Amarna, hacia 1360 a. C., está obviamente casi terminada (Museo Egipcio, El Cairo). Probablemente tenía la intención de ser parte de una estatua compuesta, y la parte superior de la cabeza se ha moldeado y dejado áspera para tomar una corona o una peluca de otro material. La superficie de la cara parece estar lista para el alisado y pintado final, pero las pautas siguen ahí para indicar la línea del cabello y el plano medio de la cara. Las líneas bastante más gruesas que marcan el contorno de los ojos y las cejas hacen que parezca que se planeó un trabajo adicional, para recortarlos para permitir que se incrusten con otras piedras para que la cabeza sea realmente realista cuando esté terminada.

NOTA: Para ver ejemplos de obras de arte sumerio anteriores de Oriente Medio (c. 3000 a. C.), consulte La Leona Guennol (3000 a. C., colección privada) y el Ram en un matorral (2500 a. C., Museo Británico). Para la escultura contemporánea, véase, por ejemplo, el Toro y el león alados con cabeza humana (859 a. C.) del palacio de Ashurnasirpal en Nimrud, y los relieves de alabastro de la caza de leones con Ashurnasirpal II y Ashurbanipal, ambos ejemplos característicos del arte asirio (c. 1500-1500). 612 a. C.).

Escultura egipcia durante el Imperio Antiguo

El arte del Antiguo Imperio se centró en la ciudad de Memphis, aunque el Delta, Abydos, el barrio de Tebas y Elefantina también nos proporcionan ejemplos de algunas de sus últimas fases. No han sobrevivido templos de este período, las esculturas provienen exclusivamente de tumbas. En carácter, estas esculturas de Menfita son fuertemente naturalistas en comparación con el arte egipcio posterior.Las estatuas de retratos son variadas y, a menudo, de carácter sorprendente, mientras que los murales representan numerosas escenas de la vida cotidiana. Las formas generalizadas o típicas incluyen la esfinge monumental de Gizeh y las estatuas de Chephren, el constructor de la segunda pirámide. La tendencia naturalista de este estilo de arte de Memphis llevó a un tratamiento peculiar del ojo, una técnica que se ve en las estatuas de este período (hechas de piedra caliza, madera y bronce, pero no en estatuas hechas de rocas basálticas), aunque descontinuada más tarde. La pupila estaba representada por un clavo plateado brillante engastado en cristal de roca o esmalte, las pestañas oscuras estaban hechas de bronce. Las cabezas de estas estatuas del Antiguo Imperio revelan un marcado "tipo egipcio", aunque no completamente sin mezclar en algunos casos con negroides y otras razas extranjeras. Aunque se representaron formas corporales delgadas, los cuerpos cortos, gruesos y a veces musculosos eran ocurrencias más comunes. Dada la gran cantidad de hombres y mujeres de mediana edad que fueron representados, parece que la infancia y la vejez no fueron paradigmas clave en la vida futura. En general, los rostros reflejan personas pacíficas y felices, para quienes la vida futura no ofrece grandes cambios ni incertidumbres. Las esculturas de pared y los jeroglíficos ejecutados en bajo relieve eran típicamente finamente tallados.

Escultura egipcia durante el Imperio Medio

El arte escultórico del período conocido como Imperio Medio puede dividirse en dos subperíodos: el primer período tebano, de la XI a la XV dinastía, y el período Hyksos, de la XV a la XVIII dinastía. A estas alturas, el centro del gobierno egipcio se había trasladado de Memphis a Tebas.

El último período del gobierno de Menfita y la dinastía XI (Imperio Medio) produjo pocas esculturas de valor duradero, pero el período posterior de Usertesens y Amenemhats de la dinastía XII fue testigo de un renacimiento de la creatividad egipcia. En general, la escultura era simplemente una continuación del arte de Memphis, pero algunos cambios ya eran evidentes. Había un deseo generalizado de estatuas de faraones más grandes, mientras que las formas corporales comenzaron a adquirir troncos, brazos y piernas más delgados. Las esculturas murales se centraban en temas similares a los de épocas anteriores, pero eran menos individuales, menos naturales y, en muchos casos, las pinturas murales sustituían a las esculturas en relieve. Las estatuas del templo de la XII dinastía de Karnak revelan que las ofrendas votivas de estatuas no eran infrecuentes, mientras que la hermosa estatua de Sebekhotep III (Louvre, París) de la XIII dinastía, revela un nuevo punto de partida en el arte del escultor.

Este renacimiento del egipcio, que comenzó en el siglo XII y continuó durante la dinastía XIII, experimentó una pausa en las dinastías XIV y XV debido a los crueles gobernantes extranjeros conocidos como los hicsos o reyes pastores. Las afinidades etnológicas de estos reyes pastores siguen siendo un tema sin resolver, las influencias semíticas que introdujeron se compensan con su tipo facial turaniano. Las esfinges y estatuas todavía fueron ejecutadas por escultores egipcios, pero en el granito gris o negro de Hammanat o la península del Sinaí, en lugar del granito rojo de Assouan. Los centros de actividad de los hicsos eran Tanis y Bubastis, siendo su influencia más débil en el Alto Egipto. La característica más notable de su escultura era el estilo de rostro no egipcio, que mostraba ojos pequeños, pómulos altos, abundante cabello, nariz aguileña, boca fuerte con el labio superior bien afeitado y barba y vello facial cortos. .

Escultura egipcia durante el nuevo imperio

La primera parte del Nuevo Imperio incluyó las dinastías XVIII, XIX y XX. Egipto ahora se liberó del dominio de los hicsos y expandió su imperio para incluir Asiria, Asia Menor y Chipre en el norte y este, y Nubia y Abisinia en el sur. Se erigieron muchos templos grandes, especialmente durante el gobierno de Seti I. y Ramsés II, lo que dio lugar a numerosos encargos de nuevas esculturas. Y dado que los templos monumentales conducían naturalmente a estatuas monumentales, las estatuas de Amenofis III., En Tebas, tienen 52 pies de altura, las de Ramsés II., En Ipsamboul, tienen 70 pies de altura, mientras que la escultura de Ramsés en Tanis, tenía 90 pies de altura. excluyendo su pedestal. Las esbeltas proporciones de la forma humana que fueron populares en las dinastías XII y XIII continuaron e incluso avanzaron, sobre todo en los bajorrelieves del Nuevo Imperio. La sencillez de la vestimenta, que prevalecía en los días anteriores, ahora fue reemplazada por prendas más ricas y adornos personales más elaborados, mientras que las coronas no eran infrecuentes. Otro cambio tuvo que ver con el fondo y la ornamentación: las variedades de fauna y flora extranjeras, así como los hombres y mujeres extranjeros, se representaron con mayor frecuencia y variedad que antes.

Por lo demás, el tema de la escultura y la pintura se mantuvo relativamente constante. Las escenas de guerra y conquista siguieron siendo comunes, al igual que las imágenes de los dioses (un pequeño templo ubicado en Karnak contenía más de 550 estatuas de la diosa Sekhet-Bast) y reyes: vea la hermosa estatua sentada de Ramsés II (Museo de Turín), y las finas cabezas de la reina Taia y Horemheb y las destacadas esculturas en relieve de piedra caliza del templo de Seti en Abydos. Sin embargo, en Tell-el-Amarna, el rey revolucionario Khou-en-Aten alentó a sus escultores a romper con los temas tradicionales y representar palacios, villas, jardines, conducción de carros y festivales.

Las tumbas reales del Nuevo Imperio exhiben la alta calidad habitual de la escultura en relieve, pero la demanda de tallas para las paredes exteriores de los templos parece haber superado con creces la oferta de escultores creativos. En cualquier caso, los estándares artísticos cayeron significativamente después del glorioso reinado de Ramsés II. De hecho, el propio Egipto experimentó un declive gradual pero significativo. Durante el último período del Nuevo Imperio, de la dinastía 21 a la 32, el dominio del país terminó y se vio obligada a ceder a los etíopes, a los asirios y nuevamente a los antiguos persas. La sede del imperio egipcio se trasladó varias veces: primero a Tanis, a Mendes, luego a Sebennytos, y durante mucho tiempo permaneció en Sais, por lo que este período generalmente se clasifica como el Período Saite.

En condiciones tan cambiantes e impredecibles, los artistas, especialmente los escultores, lucharon por encontrar temas y estilos apropiados y, a menudo, recurrieron a las formas del Antiguo Imperio en busca de inspiración. Ocasionalmente hubo desarrollos más positivos. El rey Psammetichos I defendió un renacimiento artístico menor durante la dinastía 26, restaurando templos y encargando más pintura y escultura. Los escultores volvieron a trabajar las piedras más duras, como para demostrar que su conocimiento y dominio de la técnica seguían intactos. Sin embargo, muchas obras de esta dinastía, como las estatuas de basalto verde de Osiris y Neftis y la estatuilla de Psammetichos I en el museo de Gizeh, revelan que las formas escultóricas dominantes eran afeminadas y refinadas en lugar de afiladas y vigorosas como antes.

Escultura egipcia durante el período grecorromano

Durante el período de la Antigüedad clásica, cuando Egipto fue subyugado por Alejandro Magno, su arte no cambió de la noche a la mañana para adaptarse al gusto de estos nuevos y poderosos griegos. Los templos ptolemaicos, aunque caracterizados por una serie de cambios, especialmente en los capiteles de las columnas, no se construyeron como los templos griegos, en estilo helénico. Del mismo modo, las estatuas ptolemaicas siguieron siendo egipcias. Y aunque los sucesores de Alejandro se convirtieron en faraones, no convirtieron a los egipcios en griegos. No obstante, el desarrollo de las ciudades griegas en Egipto, que había estado sucediendo desde el siglo VII a. C., más la conquista de Egipto por parte de los macedonios llevaron a un estilo de arte mixto greco-egipcio. Y aunque los romanos continuaron restaurando templos del Antiguo y Medio Imperio en el estilo egipcio, también fomentaron una forma de escultura en la que los motivos clásicos y la iconografía prevalecieron sobre un estilo "egipcio".

Escultura real egipcia

Sin embargo, es la secuencia de la escultura real formal la que muestra con mayor claridad los cambios en los detalles y la actitud que se produjeron durante los muchos siglos de la historia egipcia. Desafortunadamente, muy poca escultura real ha sobrevivido desde los períodos más tempranos, pero uno de los ejemplos más antiguos es también uno de los más impresionantes. Esta es la estatua de piedra caliza de tamaño natural del rey Djoser, c. 2.660-2.590 a. C., que se encuentra en una pequeña cámara en el complejo del templo de la pirámide escalonada, que fue planificada por el arquitecto Imhotep (Museo Egipcio, El Cairo). Una vez en su lugar, la estatua nunca volvería a ser vista por los ojos de los vivos. Se hizo para proporcionar un lugar de vivienda para el ka del rey después de su muerte, y estaba tapiada en un nicho. Se dejaron dos agujeros frente a los ojos para que pudiera mirar hacia la capilla adyacente donde se realizaban las ofrendas diarias. El rey, sentado en un trono cuadrado, está envuelto en un manto. El rostro, enmarcado por una peluca llena, es impasible y lleno de majestad inquietante, transmitida a pesar del daño causado por los ladrones que arrancaron los ojos incrustados. Las estatuas más pequeñas de nobles de las tres primeras dinastías, sentadas en la misma posición con la mano derecha sobre el pecho, transmiten una fuerte impresión de la densidad de la piedra en la que fueron talladas.

La magnífica estatua de diorita de Khephren, c.2,500 a. C. (Museo Egipcio, El Cairo), constructor de la segunda pirámide de Gizeh, estuvo una vez junto a otras 22 personas en el largo salón del Templo del Valle. La postura del rey ha cambiado un poco respecto a la de la estatua de Zoser, y ahora ambas manos descansan sobre las rodillas. El detalle del cuerpo, ya no envuelto en un manto, está magníficamente ejecutado. Protegido por el halcón del dios Horus, el rey se sienta solo con la tranquila seguridad de su divinidad. Esta estatua estaba destinada a ser vista en el templo, y el poder del rey está subrayado por el diseño tallado en los lados del trono que simboliza la unión de los Reinos del Alto y Bajo Egipto con un nudo de papiros y plantas de loto.

Los escultores representaron a los gobernantes del Reino Antiguo como dioses en la tierra. Durante el Reino Medio, los fragmentos sobrevivientes de estatuas reales muestran una línea de gobernantes que habían alcanzado su divinidad por su propio poder y fuerza de personalidad. La naturaleza distante y solitaria de la realeza aparece en sus retratos, pero se combina con la conciencia de una personalidad humana debajo de las trampas de la realeza. Las cabezas y estatuas de estos gobernantes del Reino Medio dan la impresión de ser retratos reales, tallados por artesanos de consumada habilidad.

Durante el Reino Nuevo, las líneas desaparecen de los rostros de los reyes, que miran hacia la eternidad con expresiones claras. Sobreviven muchas más estatuas que de períodos anteriores, y algunos reyes, como Tutmosis III y Ramsés II, hicieron esculpir cientos de bustos de retratos y otras obras para decorar los templos que levantaron para los dioses. Muchas estatuas muestran características extraídas de la vida, como la gran nariz ganchuda de Tutmosis III, pero los rostros estaban idealizados. Desde el reinado de la reina Hatshepsut en adelante hay una cierta suavidad en la expresión y un refinamiento en el tratamiento del cuerpo. La escultura durante el Imperio Nuevo es técnicamente espléndida, pero le falta algo del poder latente de la escultura real de los Reinos Antiguo y Medio.

Ejemplos sobrevivientes de escultura egipcia

Se pueden ver estatuas y relieves egipcios en los templos de Abydos, Thebes, Edfou, Esneh, Philae e Ipsamboul en las tumbas situadas alrededor de Memphis, Beni-Hassan y Thebes, y especialmente en el Museo de Gizeh. Importantes colecciones de estatuas del antiguo Egipto se encuentran en el Louvre, París, el Museo Británico, Londres, el Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, el Vaticano, Roma, el Museo Arqueológico, Florencia, el Museo Egizio, Turín y el Museo Real, Berlín. Otras colecciones en Estados Unidos se pueden ver en el Museo J Paul Getty, el Museo de Bellas Artes de Los Ángeles, el Museo de la Universidad de Pensilvania en Boston, Filadelfia y la Universidad Johns Hopkins.

Más información sobre escultura

La mayoría de las esculturas de la antigua Grecia se dividen tradicionalmente en seis estilos básicos:


La arquitectura de la Grecia clásica

El resultado más notable de la campaña de obras públicas de Pericles & # x2019 fue el magnífico Partenón, un templo en honor a la diosa patrona de la ciudad & # x2019 Atenea. Los arquitectos Iktinos y Kallikrates y el escultor Fidias comenzaron a trabajar en el templo a mediados del siglo V a.C. El Partenón fue construido sobre la Acrópolis, un pedestal natural hecho de roca que fue el sitio de los primeros asentamientos en Atenas, y Pericles invitó a otras personas a construir allí también: en 437 a.C., por ejemplo, el arquitecto Mnesikles comenzó a construir un Gran puerta conocida como la Propylaia en su extremo occidental, y a finales de siglo, los artesanos agregaron un templo más pequeño para la diosa griega Atenea & # x2014 este en honor a su papel como la diosa de la victoria, Atenea Nike & # x2014 junto con uno para Atenea y Erecteo, rey ateniense. Aún así, el Partenón siguió siendo la principal atracción del sitio.

¿Sabías? Muchas de las esculturas del Partenón se exhiben en el Museo Británico de Londres. Se les conoce como los mármoles de Elgin.


Arte renacentista

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Arte renacentista, pintura, escultura, arquitectura, música y literatura producidas durante los siglos XIV, XV y XVI en Europa bajo las influencias combinadas de una mayor conciencia de la naturaleza, un renacimiento del aprendizaje clásico y una visión más individualista del hombre. Los estudiosos ya no creen que el Renacimiento marcó una ruptura abrupta con los valores medievales, como sugiere la palabra francesa Renacimiento, literalmente "renacimiento". Más bien, las fuentes históricas sugieren que el interés por la naturaleza, el aprendizaje humanista y el individualismo ya estaban presentes en el período medieval tardío y se hicieron dominantes en la Italia de los siglos XV y XVI al mismo tiempo que los cambios sociales y económicos como la secularización de la vida cotidiana, el surgimiento de una economía racional de crédito monetario y una mayor movilidad social.

¿Cuáles son las características del arte renacentista y en qué se diferencia del arte de la Edad Media?

El arte renacentista está marcado por un cambio gradual de las formas abstractas del período medieval a las formas representativas del siglo XV. Los temas pasaron de escenas en su mayoría bíblicas para incluir retratos, episodios de la religión clásica y eventos de la vida contemporánea. Las figuras humanas a menudo se representan en poses dinámicas, mostrando expresión, utilizando gestos e interactuando entre sí. No son planos, pero sugieren masa, y a menudo ocupan un paisaje realista, en lugar de estar sobre un fondo dorado como lo hacen algunas figuras en el arte de la Edad Media. El arte renacentista del norte de Europa enfatizó el detalle preciso como un medio para lograr un trabajo realista.

¿Cuándo y dónde comenzó y terminó el arte renacentista?

Las características del arte renacentista, en particular el naturalismo, se pueden encontrar en el arte europeo del siglo XIII, pero no dominaron hasta el siglo XV. Los eruditos han descrito tradicionalmente el cambio de siglo XVI como la culminación del Renacimiento, cuando, principalmente en Italia, artistas como Miguel Ángel, Leonardo da Vinci y Rafael hicieron arte no solo realista sino complejo. Alrededor de 1520, el Renacimiento dio paso al manierismo, en el que un sentido del drama impregnaba el arte por lo demás realista.

¿Cómo afectaron el humanismo y la religión al arte renacentista?

El interés por el humanismo, una filosofía que enfatizaba al individuo y la capacidad humana de realización a través de la razón, transformó al artista renacentista de un artesano anónimo a un individuo que practica una búsqueda intelectual. Los artistas introdujeron nuevos temas en su trabajo, que reflejaban el creciente énfasis en el individuo, incluidos retratos, escenas de la vida contemporánea y narrativas históricas. Aunque la cultura renacentista se estaba volviendo cada vez más secular, la religión seguía siendo importante para la vida cotidiana, especialmente en Italia, donde se encontraba la sede del catolicismo. Una buena parte del arte renacentista representó escenas de la Biblia o fue encargado por la iglesia. Sin embargo, el énfasis en el naturalismo colocó a figuras como Cristo y la Virgen no sobre un magnífico fondo dorado, como en la Edad Media, sino en paisajes del mundo observable.

¿Qué hizo revolucionario al arte renacentista?

Los desarrollos del período del Renacimiento cambiaron el curso del arte en formas que continúan resonando. El interés por el humanismo transformó al artista de un artesano anónimo a un individuo que practicaba una búsqueda intelectual, lo que permitió a varios convertirse en los primeros artistas famosos. Una clase mercantil creciente ofrecía a los artistas nuevos mecenas que solicitaban temas novedosos, en particular retratos y escenas de la vida contemporánea. Además, las observaciones científicas y los estudios clásicos contribuyeron a algunas de las representaciones más realistas de la figura humana en la historia del arte. Las figuras tienen una anatomía precisa, se destacan de forma natural a través del esquema clásico del contrapposto y tienen una sensación de masa, un logro facilitado por la flexibilidad de la pintura al óleo, un medio que estaba ganando popularidad. También ocupan un espacio creíble, un logro basado en el desarrollo de la perspectiva lineal y la perspectiva atmosférica, dispositivos ilusionistas para sugerir profundidad en una superficie bidimensional.

¿Cuáles son algunas de las obras de arte famosas del Renacimiento?

Dos de las obras de arte más famosas de la historia fueron pintadas durante el Renacimiento: el Mona Lisa (c. 1503-19) y el Última cena (c. 1495-1498), ambos ejecutados por Leonardo da Vinci, que muestran interés no solo en representar la figura humana de manera realista sino también en dotarla de carácter a través de la expresión, el gesto y la postura. Otras obras de arte famosas incluyen la escultura de Miguel Ángel de David (1501-04) y sus pinturas para la Capilla Sixtina (techo, 1508-12 Juicio final, 1536-1541), en la que el artista llevó la representación precisa de la anatomía humana a extremos desafiantes con poses elegantes y complicadas. De Rafael Escuela de Atenas (c. 1508-11) celebra al intelectual poblando una sala profunda, hábilmente ejecutada utilizando la perspectiva lineal recientemente codificada, con notables pensadores occidentales. Donatello David (principios del siglo XV) recuerda la escultura clásica mediante el uso del contrapposto, en el que la figura se coloca de forma natural con el peso sobre una pierna. Alberto Durero ejemplifica el interés del norte de Europa por el detalle meticuloso en su Auto retrato (1500), mientras que Tiziano Venus de Urbino (1538) ilustra el interés veneciano por representar la luz suave y los colores vibrantes.

En Italia, el Renacimiento propiamente dicho fue precedido por un importante "proto-renacimiento" a finales del siglo XIII y principios del XIV, que se inspiró en el radicalismo franciscano. San Francisco había rechazado el escolasticismo formal de la teología cristiana imperante y salió entre los pobres alabando las bellezas y el valor espiritual de la naturaleza.Su ejemplo inspiró a los artistas y poetas italianos a disfrutar del mundo que los rodeaba. El artista más famoso del período proto-renacentista, Giotto di Bondone (1266/67 o 1276-1337), revela un nuevo estilo pictórico que depende de una estructura clara y simple y una gran penetración psicológica más que de la decoratividad plana, lineal y jerárquica. composiciones de sus predecesores y contemporáneos, como el pintor florentino Cimabue y los pintores sieneses Duccio y Simone Martini. El gran poeta Dante vivió aproximadamente al mismo tiempo que Giotto, y su poesía muestra una preocupación similar por la experiencia interior y los matices y variaciones sutiles de la naturaleza humana. Aunque su Divina Comedia Pertenece a la Edad Media en su plan e ideas, su espíritu subjetivo y poder expresivo miran hacia el Renacimiento. Petrarca y Giovanni Boccaccio también pertenecen a este período proto-renacentista, tanto por sus extensos estudios de la literatura latina como por sus escritos en lengua vernácula. Desafortunadamente, la terrible plaga de 1348 y las guerras civiles posteriores sumergieron tanto el resurgimiento de los estudios humanísticos como el creciente interés por el individualismo y el naturalismo revelado en las obras de Giotto y Dante. El espíritu del Renacimiento no volvió a aflorar hasta principios del siglo XV.

En 1401 se celebró un concurso en Florencia para adjudicar el encargo de colocar puertas de bronce en el Baptisterio de San Giovanni. Derrotado por el orfebre y pintor Lorenzo Ghiberti, Filippo Brunelleschi y Donatello partieron hacia Roma, donde se sumergieron en el estudio de la arquitectura y la escultura antiguas. Cuando regresaron a Florencia y comenzaron a poner en práctica sus conocimientos, renació el arte racionalizado del mundo antiguo. El fundador de la pintura renacentista fue Masaccio (1404–28). La intelectualidad de sus concepciones, la monumentalidad de sus composiciones y el alto grado de naturalismo en sus obras marcan a Masaccio como una figura fundamental en la pintura renacentista. La siguiente generación de artistas, Piero della Francesca, Pollaiuolo y Andrea del Verrocchio, siguió adelante con sus investigaciones sobre la perspectiva y la anatomía lineal y aérea, desarrollando un estilo de naturalismo científico.

La situación en Florencia era especialmente favorable para las artes. El orgullo cívico de los florentinos encontró expresión en las estatuas de los santos patronos encargadas a Ghiberti y Donatello para los nichos en el gremio del mercado de granos conocido como Or San Michele, y en la cúpula más grande construida desde la antigüedad, colocada por Brunelleschi en la catedral de Florencia. El costo de construcción y decoración de palacios, iglesias y monasterios fue financiado por familias adineradas de comerciantes.

Entre ellos, los principales fueron los Medici, que dominaron Florencia desde 1434, cuando se eligió el primer gobierno pro-Medici, hasta 1492, cuando murió Lorenzo de Medici. Durante su ascenso, los Medici subvencionaron prácticamente toda la gama de actividades humanísticas y artísticas asociadas con el Renacimiento. Cosimo (1389-1464), enriquecido por sus beneficios comerciales como banquero papal, fue un erudito que fundó la academia neoplatónica y reunió una extensa biblioteca. Reunió a su alrededor a los principales escritores y estudiosos clásicos de su época, entre ellos Marsilio Ficino, el neoplatónico que sirvió como tutor de Lorenzo de Medici, nieto de Cosimo. Lorenzo (1449-1492) se convirtió en el centro de un grupo de artistas, poetas, eruditos y músicos que creían en el ideal neoplatónico de una unión mística con Dios a través de la contemplación de la belleza. Menos naturalista y más cortesana que el espíritu imperante en la primera mitad del Quattrocento, esta filosofía estética fue dilucidada por Giovanni Pico della Mirandola, encarnado en la pintura de Sandro Botticelli y expresada en poesía por el propio Lorenzo. Lorenzo también colaboró ​​con el organista y director de coro de la catedral de Florencia, Heinrich Isaac, en la composición de música coral secular viva que anticipó el madrigal, una forma característica del Alto Renacimiento.

Los Medici comerciaron en todas las principales ciudades de Europa, y una de las obras maestras más famosas del arte del Renacimiento del Norte, el Retablo de Portinari, de Hugo van der Goes (C. 1476 Uffizi, Florencia), fue encargado por su agente, Tommaso Portinari. En lugar de estar pintada con el temple habitual de la época, la obra está pintada con esmaltes translúcidos al óleo que producen un color brillante parecido a una joya y una superficie lustrosa. Los primeros pintores del Renacimiento del Norte estaban más preocupados por la reproducción detallada de los objetos y su significado simbólico que por el estudio de la perspectiva científica y la anatomía, incluso después de que estos logros se hicieran ampliamente conocidos. Por otro lado, los pintores del centro de Italia comenzaron a adoptar el medio de la pintura al óleo poco después de que el retablo de Portinari fuera llevado a Florencia en 1476.

El arte del Alto Renacimiento, que floreció durante unos 35 años, desde principios de la década de 1490 hasta 1527, cuando Roma fue saqueada por las tropas imperiales, gira en torno a tres figuras imponentes: Leonardo da Vinci (1452-1519), Miguel Ángel (1475-1564) y Rafael. (1483-1520). Cada uno de los tres encarna un aspecto importante del período: Leonardo era el último hombre del Renacimiento, un genio solitario para quien ninguna rama de estudio era ajena, Miguel Ángel emanaba poder creativo, concibiendo vastos proyectos que se inspiraban en el cuerpo humano como vehículo definitivo. para la expresión emocional, Raphael creó obras que expresaban perfectamente el espíritu clásico: armonioso, hermoso y sereno.

Aunque Leonardo fue reconocido en su época como un gran artista, sus inquietas investigaciones sobre la anatomía, la naturaleza del vuelo y la estructura de la vida vegetal y animal le dejaron poco tiempo para pintar. Su fama se basa principalmente en unas pocas pinturas terminadas entre ellas se encuentran las Mona Lisa (1503-05, Louvre), La virgen de las rocas (1483-1486, Louvre), y el fresco lamentablemente deteriorado La última cena (1495–98 restaurada 1978–99 Santa Maria delle Grazie, Milán).

La primera escultura de Miguel Ángel, como la Piedad (1499 San Pedro, Roma) y el David (1501-04 Accademia, Florencia), revela una habilidad técnica impresionante en concierto con una disposición para doblar las reglas de la anatomía y la proporción al servicio de un mayor poder expresivo. Aunque Miguel Ángel se pensó primero en sí mismo como escultor, su obra más conocida es el fresco del techo gigante de la Capilla Sixtina en el Vaticano, Roma. Se completó en cuatro años, de 1508 a 1512, y presenta una composición increíblemente compleja pero unificada filosóficamente que fusiona la teología cristiana tradicional con el pensamiento neoplatónico.

El mejor trabajo de Rafael, Escuela de Atenas (1508-11), fue pintado en el Vaticano al mismo tiempo que Miguel Ángel trabajaba en la Capilla Sixtina. En este gran fresco, Rafael reúne a representantes de las escuelas de pensamiento aristotélica y platónica. En lugar de la superficie densamente compacta y turbulenta de la obra maestra de Miguel Ángel, Rafael coloca a sus grupos de filósofos y artistas que conversan tranquilamente en un vasto patio con bóvedas que se alejan en la distancia. Rafael fue inicialmente influenciado por Leonardo, e incorporó la composición piramidal y los rostros bellamente modelados de La virgen de las rocas en muchas de sus propias pinturas de la Virgen. Sin embargo, se diferenciaba de Leonardo por su prodigiosa producción, su temperamento uniforme y su preferencia por la armonía y la claridad clásicas.

El creador de la arquitectura del Alto Renacimiento fue Donato Bramante (1444-1514), que llegó a Roma en 1499 cuando tenía 55 años. Su primera obra maestra romana, el Tempietto (1502) en S. Pietro in Montorio, es una estructura de cúpula centralizada que recuerda arquitectura clásica del templo. El Papa Julio II (que reinó entre 1503 y 13) eligió a Bramante como arquitecto papal y juntos idearon un plan para reemplazar el Antiguo San Pedro del siglo IV por una nueva iglesia de dimensiones gigantescas. Sin embargo, el proyecto no se completó hasta mucho después de la muerte de Bramante.

Los estudios humanísticos continuaron bajo los poderosos papas del Alto Renacimiento, Julio II y León X, al igual que el desarrollo de la música polifónica. El Coro Sixtina, que actuó en los servicios cuando el Papa ofició, atrajo a músicos y cantantes de toda Italia y el norte de Europa. Entre los compositores más famosos que se convirtieron en miembros estaban Josquin des Prez (C. 1450-1521) y Giovanni Pierluigi da Palestrina (C. 1525–94).

El Renacimiento como período histórico unificado terminó con la caída de Roma en 1527. Las tensiones entre la fe cristiana y el humanismo clásico llevaron al manierismo en la última parte del siglo XVI. Sin embargo, se siguieron realizando grandes obras de arte animadas por el espíritu renacentista en el norte de Italia y en el norte de Europa.

Aparentemente no afectados por la crisis manierista, pintores del norte de Italia como Correggio (1494-1534) y Tiziano (1488 / 90-1576) continuaron celebrando tanto a Venus como a la Virgen María sin conflicto aparente. El óleo, introducido en el norte de Italia por Antonello da Messina y adoptado rápidamente por los pintores venecianos que no podían usar el fresco debido al clima húmedo, parecía particularmente adaptado a la cultura optimista y amante del placer de Venecia. Una sucesión de pintores brillantes —Giovanni Bellini, Giorgione, Tiziano, Tintoretto y Paolo Veronese— desarrollaron el estilo de pintura lírica veneciana que combinaba temas paganos, un manejo sensual del color y la superficie de la pintura y el amor por los escenarios extravagantes. Más cercano en espíritu a los florentinos más intelectuales del Quattrocento fue el pintor alemán Alberto Durero (1471-1528), quien experimentó con la óptica, estudió la naturaleza con asiduidad y difundió su poderosa síntesis de los estilos renacentista y gótico del norte por el mundo occidental por medio de sus grabados y xilografías.


La tumba de Anfípolis revela una tercera cámara, con un destello de color en el interior

Los ARQUEÓLOGOS han descubierto una tercera cámara de una misteriosa y enorme tumba en el norte de Grecia, y han vislumbrado lo que contiene.

Aumentan las esperanzas de que la antigua tumba griega de Anfípolis haya permanecido intacta de alguna manera después de haber estado oculta durante siglos.

Aumentan las esperanzas de que la antigua tumba griega de Anfípolis haya permanecido intacta de alguna manera después de haber estado oculta durante siglos.

Revelador. Una imagen anterior muestra cómo se retira la tierra de la cámara de entrada que contiene las dos estatuas femeninas. Fuente: Suministrado

Los ARQUEÓLOGOS han descubierto una tercera cámara de una misteriosa y enorme tumba en el norte de Grecia y han vislumbrado lo que contiene.

Los trabajadores han pasado las últimas semanas quitando la tierra que llenaba la cámara de entrada de 2300 años custodiada por dos estatuas femeninas vestidas con túnicas semitranspiradas & # x2014 llamadas Cariátides.

A medida que se quitó la tierra detrás de los guardianes, un dintel de mármol de estilo jónico fue expuesto gradualmente. Esto marca la entrada a la tercera cámara.

Lo que hay debajo. Los informes sugieren que se ha vislumbrado una colorida decoración detrás de esta puerta de estilo jónico que guarda la tercera cámara de la tumba de Anfípolis. Fuente: Suministrado

Según los informes, una piedra caída en la entrada parece proporcionar una vista de una escultura o decoración pintada en el interior. Hay muchas esperanzas de que esto contenga pistas sobre la identidad del ocupante de la tumba y # x2019s.

La excavación, en un montículo cerca de la antigua Anfípolis, 600 kilómetros al norte de Atenas, ha dominado la cobertura de noticias locales durante un mes, desde que el primer ministro Antonis Samaras la visitó y se adelantó a los arqueólogos al revelar detalles sobre los hallazgos.

El viaje hasta ahora. Una reconstrucción de la entrada de la tumba de Amphipolis. Fuente: Suministrado

Los arqueólogos griegos dicen que la atención está colocando una carga injusta sobre el equipo de excavación.

Sin embargo, los excavadores continúan apuntalando la antigua estructura para garantizar la seguridad y proteger a los trabajadores antes de que ingresen a la nueva cámara.

El riesgo de derrumbe es alto, por lo que se están erigiendo vigas de madera y muros de contención a medida que los arqueólogos avanzan en la estructura.

Lina Mendoni, secretaria general del Ministerio de Cultura, ha dicho a los medios que el monumento tiene elementos que indican que su propietario tenía una perspectiva & # x201Ccosmopolitan & # x201D.

Las autoridades griegas han publicado un diagrama detallado de los trabajos de excavación realizados hasta el momento.

Muestra una representación de la excavación, con fotografías que destacan cada elemento descubierto hasta ahora.

Vigilancia eterna . Un primer plano del rostro de una de las dos cariátides. Fuente: Suministrado

Las esculturas de cuerpo completo de dos mujeres que custodiaban la tercera cámara parecen haber sido adornadas con brazos extendidos como advertencia a quienes entraron o bloqueando la entrada misma.

& # x201C Las túnicas tienen pliegues de arte excepcionales & # x201D, declaró el Ministerio & # x2019s aviso. & # x201C Las Cariátides, desde el exterior están despreciando levantando su túnica con su mano correspondiente, & # x201D decía una declaración del ministerio de herencia griega.

No debe pasar . Los brazos extendidos de las Cariátides una vez impidieron la entrada a la cámara más allá. Fuente: Suministrado

Según los informes, las estatuas representan el pináculo del valor artístico de su época.

Se encontró una cariátide con el rostro intacto. El rostro del segundo, sin embargo, se ha encontrado en la arena en la base de la estatua. Se están realizando esfuerzos para conservar la mampostería.

Presencia fuerte . Vigas de madera apuntalan el techo entre las dos estatuas femeninas que protegen la entrada a la tercera cámara.

Se ha explorado menos de la mitad de la tumba, que muestra signos de haber sido saqueada en la antigüedad, y sacar las toneladas de tierra que la llenan llevará semanas. Aunque hasta ahora no se han encontrado enterramientos, la opulencia apunta a algún alto funcionario vinculado con el rey guerrero griego Alejandro Magno.

La tumba con bóveda de cañón se encuentra entre las más grandes de su período en la Grecia rica en antigüedades. La excavadora Katerina Peristeri cree que el montículo estaba originalmente coronado por un león de piedra sobre un gran pedestal, encontrado a pocos kilómetros de distancia hace 100 años, que probablemente fue removido durante la época romana. También ha expresado grandes esperanzas de que el sitio no haya sido saqueado.

Entrada . Una de las estatuas del guardián Sphynx en la entrada de la tumba, a la derecha, y la cámara detrás de ella, a la izquierda. Fuente: Suministrado

La arqueóloga Chryssoula Paliadelli, que no participa en la excavación, dijo a The Associated Press que la tumba tiene varias características excepcionales, incluida una fachada monumental que deja la parte superior de la bóveda expuesta sobre dos grandes esfinges de mármol.

El sitio, ubicado entre campos de almendros y tabaco, tiene alrededor de 20 policías que brindan un guardia las 24 horas para disuadir a los saqueadores, que han plagado el área en el pasado.

El ex guardia de antigüedades Alekos Kochliaridis dijo a la AP que los ladrones intentaron excavar el montículo en 1952, apareciendo descaradamente a plena luz del día con una excavadora mecánica.

& # x201C Nosotros, los residentes locales, llamamos a la policía y ellos los ahuyentaron, & # x201D, dijo. & # x201C Toda la zona circundante tiene muchos agujeros dejados por excavaciones ilegales. & # x201D

Calidad translúcida. La exquisita mampostería que se muestra en el torso de una de las Cariátides. Fuente: Suministrado

Se especula que la tumba puede contener un tesoro enterrado y los restos de una figura eminente & # x2014, aunque el propio Alejandro fue enterrado en Egipto.

Alejandro conquistó una vasta área desde la Grecia moderna hasta la India, enriqueciendo a muchos de sus amigos cercanos y comandantes. Su muerte en 323 a.C. fue seguido por la agitación cuando sus generales lucharon por el imperio.

El profesor de Historia y Arqueología de la Universidad de Chipre, Theodoros Mavraganis, ha dicho que cree que la tumba pertenece a Hefestión, uno de los amigos de la infancia de Alejandro Magno. También lo acompañó a Alejandro como general en su campaña de diez años en Asia.

Otra teoría atribuye la tumba a Nearchos, uno de los almirantes de Alexander & # x2019s. Fue exiliado a Anfípolis por el rey Felipe II.

Un tercer escenario es que la esposa persa de Alejandro, Roxana, y su hijo, Alejandro IV, están enterrados allí. También habían sido desterrados a Anfípolis alrededor del 310 a. C.

Revelador. Una imagen anterior muestra que se está quitando la tierra de la cámara de entrada que contiene las dos estatuas femeninas. Fuente: Suministrado

Decenas de turistas intentan a diario echar un vistazo al sitio vallado, y el número de visitantes en el cercano museo Amphipolis ha aumentado.

Paliadelli, profesora de la Universidad de Tesalónica, dijo que la atención de los medios es mayor que durante el descubrimiento a fines de la década de 1970, en el que participó, de una rica tumba sin saquear identificada como la del padre de Alejandro y el rey Felipe II de Macedonia en un cementerio real a 200 kilómetros (125 millas) al oeste.

& # x201CLos medios de comunicación & # x2014 la televisión, Internet & # x2014 se han desarrollado mucho & # x201D, dijo. & # x201C Trabajamos a un ritmo mucho más tranquilo, a pesar de la presión de la naturaleza de los hallazgos & # x2014 que incluían artefactos de madera y cuero que requerían conservación urgente. & # x201D

La Asociación de Arqueólogos Griegos criticó el jueves el enfoque del Ministerio de Cultura con los medios de comunicación, que dijo que estaba adaptado para satisfacer una opinión pública enganchada al sensacionalismo fácil y el consumo excesivo de subproductos de televisión, impresos y en línea. & # x201D


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